Экскурсия по выставке «Шедевры Эрмитажа»

 

Госуда́рственный Эрмита́ж — один из крупнейших и самых значительных художественных и культурно-исторических музеев России и мира. Находится в Санкт-Петербурге.

Свою историю музей начинает с коллекций произведений искусства, которые приобретала в частном порядке российская императрица Екатерина II. Первоначально эта коллекция размещалась в специальном дворцовом флигеле — Малом Эрмитаже (от фр. Ermitage — место уединения, келья, приют отшельника, затворничество), откуда и закрепилось общее название будущего музея. В 1852 году из сильно разросшейся коллекции был сформирован и открыт для посещения публики Императорский Эрмитаж.

Современный Государственный Эрмитаж представляет собой сложный музейный комплекс. Основная экспозиционная часть музея занимает пять зданий, расположенных вдоль набережной реки Невы в центре Санкт-Петербурга, главным из которых принято считать Зимний дворец. Коллекция музея насчитывает около трёх миллионов произведений искусства и памятников мировой культуры, начиная с каменного века и до нашего столетия.

Государственный Эрмитаж входит в первую двадцатку самых посещаемых художественных музеев мира

 

Буря у скалистого берега (Клод Жозеф Верне)

Пейзажист, писавший преимущественно морские виды, Верне написал эту картину для французского коллекционера. Драматический мотив бури и кораблекрушения, тревожно-взволнованное звучание колорита, построенного на тонко разыгранной гамме и контрастах серо-зеленых и коричнево-красных тонов, окрашивают классическую композицию холста романтическим чувством.

Персей и Андромеда (Питер Пауль Рубенс)

Один из бесспорных шедевров Рубенса, созданный им в период 1620-21 годов. Взятый за основу античный сюжет о сыне Зевса Персее, победившем ужасную Медузу Горгону и прекрасной Андромеде, дочери царя Кефея и царицы Кассиопеи, обречённой стать жертвой морского чудовища, у великого фламандца приобретает совершенно новое звучание.

Принцесса Андромеда уже не классическая античная красавица с выверенными пропорциями - художник наделил её чертами пышнотелой, дородной фламандской девушки с золотистыми волосами и пылающим румянцем на щеках. Необычайно воздушные, светлые, лессирующие краски её почти обнаженного тела, звучно контрастируют со стальными доспехами Персея, его сверкающим щитом с прикреплённой головой Горгоны, со всей могучей фигурой героя, изображенного с множеством деталей: крылатыми сандалиями на ногах, венком над головой, шлемом-невидимкой в руках амура.

Ещё один амур держит под уздцы Пегаса, крылатого коня, родившегося из капли крови убитой Горгоны. И этот конь не тонконогий скакун из древних мифов, а крепкий, белогривый фламандский жеребец, весь под стать своему наезднику.

Крылатая богиня победы - Ника, держащая лавровый венок над головой Персея, придаёт всему полотну характер торжественного действия, даже аллегории, так любимой Рубенсом. Противопоставление двух центральных движений на картине: решительного, уверенного порыва героя Персея и смущенного, стыдливого, невероятно женственного, встречного порыва царевны Андромеды, создаёт тонкую и, вместе с тем, «обнаженную» игру зарождающихся чувств влюблённых. Для художника не так важно соблюдение древнего сюжета, как воспевание пышущего здоровьем, крепкого, уверенного тела в трепетном и таком естественном сближении.

Цветовой строй произведения насыщен жемчужно-розовыми, перламутровыми, телесными, ярко-красными, золотистыми, светло-зелёными, ярко-бордовыми пятнами, гармонирующими между собой и создающими величественное, торжественное настроение происходящего. Великий мастер Рубенс в этом шедевре настоящий, подлинный, как никогда!

 

Выигранный поцелуй (1760-е Фрагонар Жан Оноре)

Эта работа Фрагонара также известна под названием «В отсутствие отца и матери». В музей Эрмитаж картина передана в 1925 году из коллекции живописи дворца-музея князя Юсупова. В 1760-е годы наряду с произведениями, созданными на основе реальных наблюдений, Фрагонар создает и жанровые пасторали, как например, картина «Выигранный поцелуй» — импровизируя, художник воспроизводит сцену с такой живостью, что она кажется написанной с натуры. 

 

Похищение Европы (Гвило Рени)

Одной из самых интересных древнегреческих легенд является история, описывающая похищение прекрасной девушки по имени Европа царем всех богов на Олимпе Зевсом. Великий художник Рени Гвидо представил этот сюжет и изобразил его в своей великолепной манере исполнения. Греческий бог Зевс всегда был неравнодушен к прекрасной женской красоте, поэтому, увидев юную дочь фенийского правителя Европу, он потерял свою голову и всей душой пожелал обладать ей. Европа заколдовала его своей красотой, готовой сравниться разве что с богинями небесными. Когда девушка совершала беззаботную прогулку в окружении своих подруг, коварный Зевс решил украсть ее. Он принял облик большого быка и подошел к веселой компании. Подруги стали украшать рога животного венками из цветов и взяли его в свою игру.

Европа, самая смелая из девушек, забралась к нему на спину, не зная, кто на самом деле стоит перед ней. Тогда Зевс решил исполнить задуманное и бросился в морскую пучину, унеся красавицу с собой. Он пересек море и высадил Европу на далеком острове, носившем название Крит, где девушка подарила ему трех сыновей.

На картине зритель наблюдает сцену, когда бог, облачившийся животным, плывет по водной глади. Шерсть его серого цвета, а рога все еще украшает цветочная гирлянда. Девушка, седлающая быка, вознесла свои глаза к небесам, где в правом углу полотна находится Купидон со своей, заряженной в лук, стрелой. Одеяние Европы подчеркивает женственный силуэт ее тела и ниспадает глубокими складками. Розоватая накидка и волосы девушки развиваются на ветру, что передает неспокойную погоду на море.

 

ГОРОДОК ВИЛЬНЕВ-ЛА-ГАРЕНН (Альфред Сислей)

До недавнего времени картина «Городок Вильнев-ла-Гаренн» называлась «Деревней на берегу Сены», хотя изображен на ней именно этот городок, который в настоящее время стал пригородом Парижа. Композиция ее построена предельно просто: река течет параллельно краю холста; за ней, тоже параллельно, протянулся противоположный берег, на котором в ряд выстроились двухэтажные домики. В просвете между ними просматривается тихая деревенская улочка. Такая точка зрения увлекает в глубину пейзажа именно потому, что все изображенное зритель видит через просвет, открывающийся между стволами деревьев первого плана. Когда мы смотрим на картину, у нас создается ощущение, будто художник ведет нас по любимым им самим местам.

Вот неподвижно застыла на реке лодка. Падающая от нее тень на поверхности воды кажется зеленой, хотя отражение неба окрашивает воду в голубой цвет. По склону берега, среди свежей зеленой травы взбегают вверх желтые тропинки. Затененная густая листва деревьев, сквозь которую на траву падают лишь немногие теплые пятнышки солнечного света, обрамляет бледное небо. А среди одинаково светлых домиков вдруг весело вспыхивает на солнце красный торец дома. Недаром «Городок Вильнев-ла-Гаренн» А. Сислея относится к тем живописным произведениям, которые, по словам Огюста Ренуара (друга художника), «возбуждают желание прогуляться в глубину их».

 

Ребенок с кнутиком (Пьер Огюст Ренуар)

Свою картину «Ребенок с кнутиком» Пьер Огюст Ренуар написал в 1885 году, в пору, когда ему самому исполнилось уже 44 года. В это время художник уже был состоявшимся живописцем, картины его были широко известны, а дарование признавали все.

Интересно, что маститые художники либо не писали детских портретов вовсе, либо их полотна показывали уменьшенных взрослых, не раскрывая богатый и своеобразный мир ребенка.

Ренуар писал детей совершенно иначе. Дети в его картинах живут своей жизнью, на детских лицах детские эмоции, в глазах – любопытство и шаловливость, присущая младому возрасту.

На этом полотне Ренуара изображен портрет ребенка в полный рост. Видно, что малыш из состоятельной семьи – аккуратные туфельки, завязанные бантом, гольфы, легкие одежды, не сковывающие движений. Но главное в портрете, конечно, не это.

Созерцая картину, создается ощущение, что маленький человек ждет вопроса или обращения. Он был занят своими важными делами - играл с кнутиком, но остановился на минутку, чтобы узнать - чего хотят от него эти непонятные взрослые. Конечно, взрослые окликнули его из-за какой-то ерунды, ведь им не понять, насколько занят герой картины. Именно поэтому так сложены детские губы и так напряжен взгляд.

Интересно, что точного ответа на вопрос — кто же изображен, мальчик или девочка, нет. Длинные локоны, платье до колен, темные ботиночки – так в период написания картины одевали и девочек, и мальчиков этого возраста. Однако, каждый ответ дает картине свой оттенок увиденного. Если на картине девочка, то это маленькая, решительная властительница.

Недаром в ее руке кнут, волосы распущены, а вся поза, и даже сжатый кулачок, говорит об уверенности и решительности. Такие свойства характерны для мальчика. Если это мальчик, то контрастно смотрятся кружевные воротнички, нежное платьице, длинные кудри.

Ренуар умел заинтриговать и приковать к своим творениям почитателей.

 

Девушка с веером (Пьер Огюст Ренуар)

Ренуар смог создать образ хрупкой, романтичной девушки, который весь пронизан мгновением невероятной свежести.

Художник акцентирует наше внимание на лице. Руки он изобразил достаточно размыто. Такое впечатление, что он нарочито их расфокусировал. Также точно живописец растушевал и дальний план. Ренуар предпочел обозначить его лишь неопределенными штрихами Зритель не отвлекается от восприятия самого образа. Преобладают на картине: белый, красный и черны.

С помощью них и создаются все необходимые акценты. Губы ярко-красного цвета; кожа, поражающая белизной; глаза глубокого черного цвета и роскошные волосы. Все эти детали образа просто не могут не завораживать. Губы немного раскрыты. Это придает изображению живость. Ренуару нравилось выписывать в мельчайших подробностях каждую складку. Мы не видим складок одежды, но в прорисовке изящного веера чувствуется эта манера. Неслучайно портрет назван «Девушка с веером». Деталь эта завершает и дополняет образ, подчеркивая его неповторимость. Портрет обогащается и впечатление от него усиливается, именно благодаря вееру. Изображение становится более интересным.

 

Пруд в Монжероне (Клод Моне)

Клод Моне черпал вдохновение в водном саду в течение 20 лет. Моне писал:

«…ко мне пришло откровение моего сказочного, чудесного пруда. Я взял палитру, и с того самого времени у меня уже почти не было никогда другой модели».

Он сначала создавал картины в натуре, они давали отражения в водной глади пруда, а после художник переносил их на холсты. Вставая каждый день в пять утра, он приходил сюда и рисовал в любую погоду и любое время года. Здесь им было создано более сотни полотен. Это очень удивительно для гения, но Клод Моне был очень счастливым человеком. Он добился признания еще при жизни, любил и был любим, занимался любимым делом.

«Кроме живописи и садоводства я ни на что не гожусь.» Клод Моне

 

Мадонна с цветком (Леонардо да Винчи)

Довольно скромная и непритязательная на первый взгляд «Мадонна с цветком» удивительна тем, что раскрывает свою прелесть далеко не сразу, а постепенно, по мере погружения в этот особенный внутренний мир. Богоматерь и младенец Иисус окружены полумраком, но глубина этого пространства отчетливо обозначена светлым окном. Дева Мария совсем еще девочка: пухлые щечки, вздернутый носик, задорная улыбка – все это черты не абстрактного божественного идеала, а совершенно конкретной земной девушки, послужившей некогда моделью для этого образа. Она одета и причесана по моде XV века, и каждая деталь ее костюма, каждый локон ее прически рассмотрен художником пристально и передан по-ренессансному подробно. Любовь и радость материнства отразились на ее лице, сосредоточенном на игре с ребенком. Она протягивает ему цветок, а он пытается его ухватить, и вся эта сцена настолько жизненна и убедительна, что впору позабыть о предстоящей трагедии Христа. Тем не менее, цветок с его крестообразным соцветием здесь не просто композиционный центр всей картины, но еще и знак, символ, предзнаменование грядущих Страстей. И, кажется, что в этом осознанном и сосредоточенном лице младенца, тянущегося к цветку, уже проглядывает будущий Спаситель, который принимает свой предначертанный крест. Но с другой стороны, в этом жесте и символ эпохи Возрождения с ее безграничным стремлением познать мир, открыть его тайны, выйти за его границы – в общем, все то, к чему так стремился сам Леонардо.

 

Кающаяся Мария Магдалина (картина Тициана, около 1565)

На картине изображена Мария Магдалина, смотрящая вверх на небо. Её длинные волосы распущены, взгляд полон раскаяния, глаза покраснели от слёз. Она одета в полупрозрачную одежду и полосатую накидку. Перед ней христианские символы — Священное Писание и череп. Согласно преданию, именно эту картину держал в своих руках умирающий Тициан. В 1850 году при содействии русского консула Александра Хвостова собрание картин Барбариго было приобретено Николаем Первым для музейной коллекции Эрмитажа. Впоследствии «Кающаяся Мария Магдалина» была помещена в один из итальянских кабинетов Нового Эрмитажа.

 

 

Христос в терновом венце (Рубенс Петер Пауль)

Картина относится к раннему периоду творчества Рубенса. В ней представлен евангельский эпизод, когда Христос после бичевания и поругания был выведен напоказ народу для вынесения ему окончательного приговора. Указующий жест Понтия Пилата, не признавшего вины за Христом, иллюстрирует слова прокуратора: "Се Человек". Терновый венец и багряница - пародийные символы царского достоинства, изобретенные для Иисуса в знак издевательского почитания.

Отсутствие внешней экзальтации в передаче физических и душевных мук Христа сообщает его образу героизм, подчеркивая духовную стойкость и мужество.

 

Ферма (Паулюс Поттер 1649 г)

Этот капитальный труд он исполнил по заказу принцессы Эмилии, которая слыла за меценатку. Иногда, следуя примеру своего покойного мужа, Эмилия занималась и покровительством местного художества. Так, по совету придворных, она обратилась с заказом и к только что поселившемуся в Гааге Поттеру. Но Поттер забыл, для кого он пишет, ушел весь в свой труд, наполнил картину всеми деталями, которые ему казались способными передать характер жизни в деревенском приволье, среди милых его сердцу животных, и каково же было негодование окружающих принцессу лиц, когда они увидали, что одна из коров, находящаяся в самом центре картины Поттера, занята делом, свидетельствующим о ее невоспитанности. Картина была возвращена Поттеру, и придворная его карьера испорчена.

 

Женщина с веером (Пабло Пикассо)

Картина написана Пабло Пикассо в 1909 году в африканский период, когда живописец находил вдохновение в африканском искусстве, его примитивных формах. Мы видим даму, сидящую в кресле. В одной руке она держит веер, а в другой – изящный зонт. Необычные грани насыщают все пространство этого творения. Каждый предмет изображается под особым углом, который позволяет ощутить особый ритм всей поверхности в целом. Лицо дамы напоминает характерную ритуальную маску. Оно взаимодействует с вазой. Особое освещение и особый тон каждой детали усиливают максимальную напряженность игры. Взгляд модели – особый. Он усиливает особое поистине зловещее впечатление.

Весь колорит полотна, который представляет особое сочетание серого и зеленого с пятнами рыжего оттенка способствует тому же самому. Каждый предмет словно выдолблен из дерева.

Живописец, словно скульптор. Он вводит в пространство живописи еще одно измерение. Пикассо говорил о том, что из разрезанных и вновь собранных картин можно создать скульптуры.

 

Арльские дамы (Ван Гог Винсент)

«Арльские дамы» имеют еще одно название: «Воспоминание об Эттене» (городок на севере Голландии, в котором некоторое время работал художник). Все изображенное в картине – фигуры и пейзаж – очень плоскостно. Пространство разворачивается не в глубину, а как бы параллельно плоскости холста, своеобразными зонами – метод, заимствованный у японских художников. По своему эмоциональному строю «Арльские дамы» — произведение сложное. Лица идущих женщин задумчивы и печальны. И от этого у зрителя возникает невольное чувство тревоги. Измученный нуждой и непризнанием, художник постепенно все острее начинал воспринимать окружающее через призму трагического.

Ван Гог дважды упоминал об этой картине в письмах к брату Тео, называя ее «Воспоминанием о саде в Эттене». В письме к сестре Виллемине он писал, что гуляющие дамы — это она сама и их мать, что фиолетовый с желтым цвет георгинов ассоциируется с образом матери, а фигура в оранжево-зеленом шотландском пледе, подчеркнутая красным зонтиком, — сестра. В картине слились две реальности — Голландия и Прованс. Соединяются север и юг — кипарисы рядом с капустой, арлезианка похожа на голландку. Кипарис символизирует смерть, дорога — бег времени.